Stephie Clark – Sådan skaber du dybde i blomster
Stephie Clark – Sådan skaber du dybde i blomster
denne måneds gæsteindlæg er jeg glad for at kunne bringe dig denne meget populære kunstner og instruktør fra Australien. Jeg har hørt så mange mennesker sige: “Jeg ville ønske, jeg vidste, hvordan Stephie Clark maler sine blomster.” Nå, Stephie Clark – Sådan skaber du du er ved at finde ud af det
Inden jeg overgiver dig til Stephie Clark, lad os finde ud af lidt om hende!
Stephie Clark Bio
Stephie Clark er en australsk-baseret blød pastelkunstner, bedst kendt for sin uhæmmede udforskning af den naturlige verden. Selvlært begyndte Stephie sin kærlighedsaffære med bløde pasteller i 2011 og dyrkede inspiration fra impressionismens kunstbevægelse og hendes tætte observation af skønheden i naturen. Hun er også tiltrukket af naturfotografi og bruger mange af sine originale fotografier som referencer i sine bløde pastelmalerier. Se mere af hendes arbejde her.
Og nu, over til Stephie!
***
Kreativitet viser sig på alle mulige måder på forskellige tidspunkter af vores liv … min har altid været baseret på farver; boligindretning, syning, quiltning og havearbejde … aldrig kunst af nogen art.
Nytårsforsætteren kom i 2011, og akvarelkunst fik mig til at interessere mig, så afsted til biblioteket gik jeg for at studere, hvordan, hvornår og hvorfor dette medie taler om et kaninhul af glæde og kærlighed. Så i november 2011 besøgte jeg en Picasso-udstilling i Sydney og blev utroligt betaget af hans tidlige kunst. Jeg blev så rørt over dette ene maleri, grå kande med æbler, at maleriet straks blev min næste prioritet. Da jeg skyndte mig til den nærmeste butik med kunstartikler, bad jeg om noget, jeg hurtigt kunne male med…den søde dame rakte mig en lille beholder med Conte-pastell – min livslange passion i én æske.
Med akvarel på bagen blev jeg straks besat af umiddelbarheden og den taktile glæde ved at sætte et mærke og se magien komme til live på papiret. Tidsfattigt med et travlt job, dette medie var præcis for mig; bare papir, pasteller og mig når som helst og hvor som helst!
Egernerede væk i mit hjemmestudie, malede jeg hver eneste dag for at lære mere om dette magiske medie og finde min måde at synge min sang på blomstersproget. Som en ivrig gartner ville jeg kun male blomster og frugter. Jeg har brugt timer på biblioteket på at undersøge mine yndlingskunstnere, fuldstændig taget med de hollandske kunstnere fra det 17. århundrede, især Jan van Huysum og selvfølgelig impressionisterne Monet og Renoir. Tilbedelse af dybden i disse malerier blev lidt af en besættelse, og at eksperimentere med mange måder at frembringe den effekt i min kunst har ført mig til den proces, jeg bruger i dag.
Først, observer, observer og observer derefter….fra baggrunden til forgrunden i fokus…se lyset i hvert plan; baggrund, mellemgrund og forgrund. Visuelt adskille motivets fokuspunkt.
Begyndende med baggrunden kan jeg lave en lys skitse med siden af en pastel- eller pan-pastel for at kontrollere min sammensætning og placering.
Så begynder det sjove. Ved hjælp af Pastelmat eller Lux Archival-papir starter jeg mine baggrunde med lette lag af pasteller, som langsomt og forsigtigt påføres og derefter masseres ind i papirets dybde. Disse lag blandes i en cirkulær bevægelse for at skabe det ‘overskyede, romantiske æteriske’ look, jeg er ude efter (tak Renoir).
At flå motivet og alt derimellem af og tage hensyn til mørket, lyset og værdierne i min baggrund, efterlader mig med et ‘kort’ for, hvor mine motiver vil blive placeret, som waypoints til at bygge mine kreationer.
Ved at trække baggrunden ind, hvor mine motiver vil sidde, kan jeg male oven på baggrunden og begynde at skabe dybde i min kunst. I baggrunden er det bydende nødvendigt at bruge et let strejf med tørre pasteller.
Dernæst fokuserer jeg på midtvejstjekket, hvilke blade, kronblade, grene osv. der sidder bagved, og maler dem derefter, for at sikre, at hårde og bløde kanter bruges til at udvikle den følelse af dybde og give beskueren et sted at flygte til og nyd roen ved stille strøg.
Slagretningen på dette tidspunkt er så vigtig. Vi dirigerer næsten trafikken af vores seeres øjne på dette stadie af vores produktion … tjekker vores lyshistorie igen og fokuserer på vores værdier for at levere drama, hvor det er nødvendigt. For mig er det som at lave lasagne … forsigtigt lag, lag og så lag igen.
På dette tidspunkt er det så vigtigt at kontrollere, at dine streger er tabt og fundet, så øjet trækkes hen til, hvor fokuspunktet eller -punkterne er. Der kan selvfølgelig være mere end blot én mellembane. Jeg kigger bare og sikrer mig, at jeg maler fra bagsiden til forsiden.
En særlig vigtig pointe lige her er, at når disse hårde og bløde kanter påføres og nænsomt manipuleres og fredfyldte… LAD DEM VARE… ingen blanding, ingen berøring med fingrene, da dette vil skabe mudder! Hvis du skal gå tilbage over dem, så gør det med en pastel eller blyant. Vi leder ikke efter nogen detaljer i mellemstadiet, blot foreslåede detaljer.
Jeg fjerner altid mine pasteller for papirindpakning, da jeg handler om at bruge længden af pastellen til at skabe mine streger. Jeg er ret partisk over for alle ødelagte pastelstykker, da de afslører total magi med usædvanlig markering og nogle gange endda en gave fra pastelguderne i form af et utroligt mærke, der kan ændre retningen på min komposition. Se og lyt til dit maleri, mens du bygger dit værk, og vær åben for kunstnerisk tilladelse til, at tingene kan ændre sig. Frihed til at ‘gå med det’ og lade streger være ufuldkomne er en af de ting, jeg værdsætter mest, mens jeg lægger min kunst fra mig.
Farve er den absolutte creme i pastelprocessen for mig, på grund af det faktum, at jeg er en selverklæret pasteltragiker. Jeg har tusindvis af disse skønne pinde at lege med og vil sjældent vælge en bestemt palette. I stedet bruger jeg en boks med foreslåede farver, jeg ser i mit foto eller stilleben-opsætning. At studere værdierne og farverne ophidser mig ingen ende og derefter fortolke dem på MIN måde, altid male fra mørkt til lyst i min midte/forgrund. Igen, observation er nøglen…
Hver pastel har en unik ‘fornemmelse’ – nogle er cremede, nogle smøragtige, nogle så lette, at de føles pulveragtige. Jeg elsker at bruge tørre pasteller som Art Spectrum (AS) extra soft, JLuda, NuPastels, Unison Colour og Mamuts, da de har det tørre subtile præg. Selvfølgelig er der undtagelser fra hver regel, og hvis jeg ser farven og værdien i en anden cremet variant, vil jeg bruge den, men sparsomt for ikke at oversvømme papiret med pigment.
Det er interessant, at mine mørke er omdrejningspunktet for mine blomster og frugter. Jeg siger konstant til mine elever, “Start mørkere, end du tror, du har brug for”, og tilføjelse af drama ved hver tur er, hvordan vi skaber dybden og tiltrækker seerens øje til at opdage pastellernes magi. Når du blokerer i vores midte, skal du konstant tænke, farve og form. Vi leder ikke efter detaljer.
At starte med et værdidiagram er vigtigt for at identificere mørke, mellemtoner, lys og højdepunkter, og hvor disse vil blive placeret for at skildre drama og atmosfære. Forenkling til mørk, mellem og lys hjælper mig ingen ende med placering.
Med sikkerheden fra min lyskilde i min baggrund, kan jeg anvende den værdi, der er nødvendig for at skabe dybde og dimension ved at lægge mine mørke i lag først. Jeg bruger ofte 3-4 mørke til at bygge struktur, og mine uforskammede favoritter er Sennelier 463 (dyb blå) og 179 (sort-grøn) og Terry Ludwig “aubergine”. Jeg er åben over for enhver dyb umber og bruger ret ofte enten Sennelier (ikke sikker på tallet) eller JLuda umber.
Med min mørke farve nede kan jeg bevæge mig op i værdidiagrammet og vælge den nuance, der kræves for at arbejde mig frem til den lyseste pastel, jeg ser i det specifikke område. Så … i mit arbejde … vil det lyseste mørke blive det mørkeste lys … genlæse det!
Ved at bruge mellemtonerne som de lyseste mørke og de mørkeste lys, kan vi skabe harmoni og stille områder i vores kunst, som er lige så vigtige som dramaet. Det er en balance mellem farve, balance og fokus for mig.
Med den blandede baggrund, der fremhæver vores lyskilde, og mellemgrunden, der indeholder planer af hårde og bløde kanter på former, der viser, hvor lyset blidt kærtegner grene, blade og løv, har vi sat scenen for divaerne.
På dette tidspunkt er det sjældent, at jeg vil røre ved maleriet med fingrene (igen, regler er lavet til at blive brudt), fordi vores øjne er på en rejse for at lære om emnet fra bagsiden til forsiden. Min lyskilde er foreslået i baggrunden, igen adresseret i de hårde og bløde kanter af mine fly i mi-jorden. Nu vil lyset eksplodere på mit brændpunkt og spredes på en behagelig måde over de motiver, der er i lysets bane.
Jeg bliver ved med at træde tilbage for at sikre mig, at mine mørke er mørke nok og ofte må gå over og støde dem lidt op, hvis jeg har mistet det dramatiske skift fra mørkt til lyst, og husker at male hver blomst fra bagsiden til forsiden igen observere rækkefølgen i, hvordan dette emne kommer til os.
På dette stadie af mit maleri kan jeg se, hvor divaerne skal optræde. Jeg kan ikke understrege dette nok – disse blomstermalerier vil blive malet med direkte, bevidste strøg … uberørt af menneskehænder! Når blanding er nødvendig, vil dette kun blive gjort med en anden pastel skummet over toppen af disse streger. Helt ærligt, du mister skønheden ved at skabe mærker, hvis du spiller med forgrundsstrøg … tro mig, jeg taler fra en sti, der er slidt af erfaring!
Hver blomst, uanset hvilken retning den vender, har en bagside, midte og front. Mal dem lige efterhånden som de vokser. Jeg starter med midten af blomsten, hvor kronbladene kommer fra, og stilken kommer ud, for at give mig et waypoint, et sted at bringe kronbladene ind. Så fra mørkt til lyst, vil jeg bruge mine værdier til at skabe form, og glasere farverne sammen for at give naturens godkendelsesstempel for de nuancer, hun bruger.
Langsomme og bevidste streger skal være, med en kendt retning, før du placerer pastellen på papiret. Med det sidste højdepunkt på kanten af dine kronblade, tag din pastel fra den øverste kant af kronbladet og brug et strejf af tryk til at trække pigmentet ned til den næste værdi, mens du slipper dit tryk et voilá…den glaserende magi sker!
Fokuser på ét område for at skildre detaljer for din seer, forklar dem lyskilden, kompositionen og motivets retning, før dem derefter langsomt til områder, hvor lyset er mindre intenst, og detaljerne underforstået med kun et forslag. Jeg elsker den måde, Renoir bringer dig ind i sin kunst, kun for at lade dig opdage kanterne af hans motiver, og dit kunstneriske øje maler detaljerne.
Min proces er blevet selvudviklet overarbejde og mine teknikker justeret til at passe til forventningerne til min egen kunst, men det grundlæggende forbliver det samme:
- Mal fra baggrunden til forgrunden
- Ude af fokus til fokuseret
- Observer din lyskilde hele vejen igennem
- Mal farve og form ved blokering
- Mørk til lys
~~~~~
Wow! Såååå meget info der! Så nu ved du, hvordan Stephie Clark gør det! Hendes hemmeligheder er ude.
Vi vil gerne høre fra dig! Var det nyttigt? Har du spørgsmål? Fortæl os dine tanker! 😀
Og det er det for nu.
Indtil næste gang,
~ Gail
